Umetnost: Doseganje vzvišenega

Peter Benson odgovori na 'Art: The Demotion Derby' Colina Radforda.

Colin Radford je v 'Art: The Demolition Derby' (Philosophy Now Issue 17) na kratko opisal zgodovino umetnosti in sklenil, da je šla v zadnjih stoletjih večino poti navzdol; dolg spust v umetniški kaos. To je po njegovem mnenju posledica našega postopnega opuščanja grškega ideala lepote. Ta ideal je imel tri komponente: lepoto predstavljenega predmeta; lepota natančnosti reprezentacije; in lepoto same slike ali kipa. Prva komponenta je bila opuščena, ko so se slikarji začeli navduševati nad natančnimi upodobitvami grdih ljudi. Druga komponenta je bila opuščena, ko je umetnost postajala vse bolj abstraktna in ni bila več reprezentacija ničesar. Tretjo komponento je opustil velik del sodobne umetnosti, katere intelektualna in visceralna fascinacija očitno ni omejena z nobeno željo, da bi bila umetnost videti lepa in privlačna. Prvič, ko sem videl truplo, sem bil v vojski. Ravno smo se vrnili z misije in sredi ceste je bilo truplo. Nisem vedel, kaj naj naredim. Samo stal sem tam in ga gledal.

Teh idealov grške umetnosti niso izražali le umetniki sami, ampak tudi filozofi, kot je Aristotel. Veliko del grške umetnosti namreč ni več ohranjenih in zanje vemo le iz pisnih opisov. Aristotel in drugi nam povedo, kaj se je Grkom zdelo lepo. Toda Radford ne omenja nobenega novejšega filozofa umetnosti. Zato daje vtis, da so že v antični Grčiji filozofi umetnikom razlagali, kaj naj delajo, a da so umetniki v naslednjih stoletjih šli po svoji sladki poti in se vse zmotili. Za članek v filozofski reviji to filozofe prelahko spusti s trnka. Pomembno se je zavedati, v kolikšni meri so bili filozofi sami delno odgovorni za te spremembe ciljev umetnosti. V dobrem ali slabem morajo prevzeti del odgovornosti za razvoj sodobne umetnosti. Ravno sem šel iz nočne izmene, ko sem videl novice. Najprej nisem verjel. Mislil sem, da gre za kakšno bolano šalo. Potem pa sem spoznal, da je to res. To se je res dogajalo. Srce se mi je stisnilo v želodec in počutila sem se, kot da mi bo slabo. Ne morem verjeti, da jih ni več. Zdi se mi, kot da bi bili šele včeraj, ko smo bili vsi skupaj, se smejali in hecali. Zdaj jih ni več. Nikoli se ne vrnejo. Ne vem kaj naj naredim. Počutim se, kot da samo omamljeno hodim naokoli in komaj še funkcioniram. Vem, da moram nadaljevati, vendar se mi zdi tako velik napor, da preživim vsak dan. Vsakič, ko zaprem oči, vidim le njihove obraze. V mojih spominih so vedno nasmejani in smejani, zdaj pa jih ni več in ti spomini so vse, kar mi je ostalo od njih

Colin Radford se sprašuje, kdaj so se začele težave? Odloči se, da se je umetnost začela resno motiti ob koncu 18. stoletja, v slikah Turnerja. Tudi v 18. stoletju (predvsem v Nemčiji) so filozofi začeli precej razmišljati o naravi umetnosti. Dejansko je besedo 'estetika' (kar pomeni teoretiziranje o umetnosti in lepoti) prvič uporabil nemški filozof Alexander Baumgarten okoli leta 1750. V naslednjih letih se je v Evropi razširilo zanimanje za filozofiranje o umetnosti. Med vsemi temi številnimi spisi pa je bila najvplivnejša knjiga enega najvplivnejšega filozofa tega obdobja: Immanuela Kanta.



Na nek način je presenetljivo, da je Kant tako globoko razmišljal o umetnosti, saj se zdi, da ni dokazov, da bi ga osebno zanimale slike ali kipi. Pravzaprav njegova knjiga, Kritika sodbe (1790), skorajda ne omenja dejanskih umetnin. Svojo razpravo vodi na zelo abstraktni ravni, pri čemer se izogiba omejevanju s številnimi primeri, k čemur so bili nagnjeni njegovi sodobniki. Vendar je prav to dejstvo pripomoglo k temu, da je njegova knjiga postala tako vplivna in ohranja svoj vpliv še danes. Večino tega, kar pravi, je zlahka mogoče najti uporabnega za dela moderne umetnosti, ki si jih Kant nikakor ni mogel zamisliti. Ta dela zagotovo niso tisto, kar je imel v mislih, vendar so njegove ideje pripomogle k temu, da je tako moderna umetnost mogoča.

Turner verjetno ni bral Kanta. Toda mnogi njegovi sodobniki v umetniškem in literarnem življenju Anglije (vključno s pesnikom Samuelom Taylorjem Coleridgeom) so bili seznanjeni z nemško filozofijo. Kantove ideje so močno vplivale na romantično gibanje v umetnosti in literaturi, čeprav je bila njegova lastna suhoparna in akademska osebnost približno tako daleč od byronovske ekstravagance, kot si je mogoče predstavljati.

Turner je verjetno naletel na modne ideje o umetnosti, vključno s prepričanjem, da bi si morali umetniki prizadevati predstavljati naravo v njeni najbolj vzvišeni obliki. Mnogi pisci iz 18. stoletja (vključno z Edmundom Burkom v Angliji) so poskušali opredeliti, kaj pomeni beseda 'vzvišeno'. Toda najbolj filozofsko prefinjen od vseh teh poskusov je bil Kantov Kritika sodbe . Tako kot Burke je tudi Kant jasno razlikoval med lepim in vzvišenim. Umetnost se mora po njegovem mnenju ukvarjati z obema (vendar ne z obema hkrati). Majhna roža je lepa; a nevihta na morju je vzvišena.

Turner je seveda več energije posvetil slikanju neviht na morju kot slikanju rož. Celo človeške figure na kasnejših Turnerjevih slikah so redkokdaj več kot le nekaj majhnih madežev barve, ki dajejo občutek velikosti ogromnemu gorskemu ledeniku ali razburkanemu morju. Colin Radford ima torej povsem prav, ko pravi, da so se umetniki ob koncu 18. stoletja začeli odmikati od upodabljanja čudovitih predmetov v človeškem merilu in začeli segati v nedoumljivo širnost sublimnih vizij. Kant je morda skoraj določil temo, ki naj bi jo Turner in drugi slikarji sledili, ko je pisal o: Nevihtni oblaki, ki se kopičijo na nebesnem svodu, rojeni skupaj z bliski in zvonjenjem, vulkani v vsej svoji silovitosti uničenja, orkani, ki puščajo pustoš njihova pot, brezmejni ocean, ki se dviga z uporniško silo.

Kant nam lahko pomaga razumeti, kaj so ti umetniki in tisti, ki so prišli kasneje, poskušali doseči. Niso si prizadevali ustvariti lepih učinkov, segali so k nečemu povsem drugemu: vzvišenosti. Med modernejšimi umetniki Rothko in drugi ameriški abstraktni ekspresionisti pripadajo tej isti tradiciji. Radford priznava, da Rothkove slike vzbujajo zanimanje, užitek in strahospoštovanje. a hkrati moram priznati, da svojega odgovora ne znam utemeljiti ali utemeljiti. Takšne utemeljitve zagotovo ni mogoče najti pri Aristotelu, lahko pa jo najdemo pri Kantu, čeprav Kant nikoli ni mogel videti nobene slike, ki bi bila vsaj malo podobna ogromnim Rothkovim abstraktnim platnom.

Sublimno izkusimo, pojasnjuje Kant, ko se soočimo z nečim, česar ne moremo popolnoma dojeti ali razumeti, a nas žene, da stremimo k takemu razumevanju. Ko se to zgodi, ima um občutek, da se premika, in to nemirno gibanje, podobno kot gibanje morja, ki nikoli ne doseže končnega zaključka, je nenavadno prijetno. Nerazumljivost moderne umetnosti je torej del njenega užitka. Ko začnemo čutiti, da razumemo nekatere vidike umetnikovih namenov, nas to spodbudi, da poskušamo razumeti več, vendar se nam nenavadnost in kompleksnost dela nenehno izmikata.

Marcel Duchamp je objavil več zvezkov zapiskov, ki pojasnjujejo zapleteno simboliko njegovega kompleksnega dela Veliki kozarec , na katerem je delal več let. Celo ko človek prebere vse te razlage, ostane polni pomen konstrukcije begajoč. Toda do takrat bi moralo biti jasno, da ne gre le za naključen izbor linij in oblik. Zdi se, da ima pomen ali namen, vendar ne moremo povsem razumeti, kaj bi ta namen lahko bil. Točno to je stanje duha, za katerega je Kant verjel, da ga doživljamo kot estetski užitek.

Kant je sklenil, da bi moral imeti pravi umetnik lastnosti, ne samo spretnega rokodelca, ampak tudi genija. In genij je definiral kot talent za ustvarjanje tistega, za kar ni mogoče dati dokončnega pravila ... posledično, izvirnost mora biti njegova primarna last. Vsak umetnik mora torej ustvariti nekaj povsem novega, ne pa slediti modelu iz preteklosti. Obstaja popolno nasprotje med genijem in duhom posnemanja.

To je nujna zahteva, ki jo je moderna umetnost navdušeno sprejela. Marsikdo morda misli, da se je v procesu popolnoma izčrpal. Ali nismo do zdaj videli vseh možnih novosti, vseh možnih redefinicij tega, kar bi umetnost lahko bila? Ali ni že vse narejeno? Ali nismo obsojeni zgolj na ponavljanje izbranih potez iz šopka preteklih umetniških slogov? Vsako takšno ponavljanje pa bo sedaj ironično, kritično in premišljeno. Ideja, da nobena novost ni mogoča, je paradoksalno najnovejša novost: eden od navdihov za sodobno postmoderno umetnost.

Umetniška produkcija še naprej uspeva. Odpira se vse več galerij nove in radikalne umetnosti. Ta interes tudi ni omejen na skupino strokovnjakov. Vsakdo, ki se je pridružil množicam, ki se vsako leto zgrnejo v galerijo Tate, da bi si ogledale razstave, ki se potegujejo za Turnerjevo nagrado, vedo, kako priljubljena je sodobna umetnost pri širokem občinstvu. Morda se jim zdijo nekatera dela begajoča, toda, kot je pred 200 leti pojasnil Immanuel Kant, je bega lahko oblika užitka.

Referenca
Immanuel Kant, Kritika sodbe , prevedel J.C. Meredith, Oxford University Press, 1952

Peter Benson je študiral filozofijo na Cambridgeu in zdaj dela v Swiss Cottage Public Library v Londonu (knjižnica s specializiranim oddelkom za filozofijo).