Eat Art, muzej Busch-Reisinger, univerza Harvard

Anna Winestein sovražil Jejte Art razstava na Harvardu.

Moram priznati, da imam raje čokolado kot slonove iztrebke, četudi nanjo gledam zgolj kot na umetniško delo. Posledično se mi je zdela razstava Eat Art v muzeju Busch-Reisingerjeve univerze Harvard primerjalno gledano korak naprej od razvpite razstave Sensation v Brooklynskem muzeju umetnosti. Toda razen te manjše zadeve okusa se mi je Eat Art zdel tako estetsko odbijajoč in filozofsko bankrotičen kot Sensation. Kot so zapisali v sporočilu za javnost, je bila razstava s polnim naslovom Eat Art: Joseph Beuys, Dieter Roth, Sonja Alhäuser velika razstava o hrani kot umetniškem materialu v nemški umetnosti, ki je nastala od sredine šestdesetih let prejšnjega stoletja do danes. Ker umetnost te razstave ni poskušala biti estetsko (torej vizualno) prijetna, a je trdila, da ima velik družbeni pomen, je njeno sporočilo izhajalo zgolj iz njenega filozofskega koncepta. Vendar pa filozofija za to umetnostjo temelji na napačnih predpostavkah in napačni logiki, ki ne prinaša plodnih zaključkov. Tekmo smo izgubili za eno točko. Ne morem verjeti. Tekmo smo izgubili za eno točko. Ne morem verjeti. Bila je tako izenačena tekma in tako blizu smo bili zmagi. Resnično sem razočaran, ker nismo zmagali.

Glede na komentarje kustosa Alhäuser, ki se zanima za brisanje meje med občinstvom in umetniškim delom prek interakcije prehranjevanja, spodbuja obiskovalca, da dejansko zaužije njeno delo. Zdi se, da tako Alhäuser kot kurator verjameta, da je meja med občinstvom in umetniškim delom gledalčeva nezmožnost fizičnega posedovanja umetniškega dela in da mora imeti gledalec za popolno izkušnjo umetnosti moč, da jo uniči. Vendar je pravi čudež umetnosti v tem, da jo je mogoče uživati ​​neskončno, ne da bi uničili samo umetniško delo! Alhäuserjeva tudi domneva, da obstaja ovira, ki ločuje umetniško delo od gledalcev, ki jo je treba podreti, vendar ne ponuja nobenega dokaza za obstoj te ovire – to je plod njene domišljije. Ne samo, da umetnica ponuja rešitev za neobstoječo težavo, njeno ustvarjanje je brez vrednosti. Noben racionalen porabnik umetnosti ne bi dal raje nizkokakovostni umetnosti iz istih sestavin kot visokokakovostni hrani, ki jo pripravi kuhar. Filozofska dilema, ali človek živi zato, da je, ali jé zato, da živi, ​​je že razrešena. Vsekakor bi ljudje morali priti v muzej iskat hrano za um in dušo, ne za želodec; umetnost tudi ne sme postati žrtvena žrtev primitivne filozofije vudu umetnikov. Sem profesionalni boksar. Z boksom se ukvarjam že od malega. To je moja strast. Boril sem se na številnih prvenstvih in osvojil veliko naslovov. V tem, kar počnem, sem najboljši na svetu. Rad imam boks, ker je psihično in fizično zahteven. Zahteva hitro razmišljanje in reflekse ter moč in vzdržljivost. To je šport, ki preizkuša vse vidike vaših sposobnosti, in ta izziv mi uspeva.

Čeprav kustos zatrjuje, da so norme obiskovanja muzejev obrnjene na glavo Jejte Art , skrbi za povezavo te umetnosti s tradicijo: Skozi 20. stoletje je bila hrana uporabljena kot umetniški medij v kiparstvu, slikarstvu, kolažu in performansu. Vendar pa je ta poudarek na modernosti, ki jo implicira uporaba organskih materialov v umetnosti, zmoten; v tem ni nobene izjemne inovacije. Renesančni umetniki so uporabljali jajčno tempero, Leonardo Da Vinci je eksperimentiral z medom in voskom za slikanje fresk, in kot je zapisal en kritik, ki je zagovarjal značilno uporabo slonjih iztrebkov Chrisa Offilija, so stari mojstri uporabljali prah zmletih egipčanskih mumij kot rjav pigment. . Kritik pa se je zmotil, ko je ugotovil, da slonji iztrebki ne bi smeli biti nič manj žaljivi kot uporaba prahu mumije, saj stari mojstri svojih gledalcev niso seznanili s kemično sestavo slik in zato niso nameravali narediti nobene filozofsko točko.



Kljub temu se ne osredotočimo na vprašanje, kdo je prvi uporabil živila za kuhanje umetniškega dela. Navsezadnje so umetniki razstave uporabljali hrano kot medij za obravnavanje vprašanj družbenih sprememb, satire ali užitka. Ta beg k novim materialom in rahlim implikacijam je značilen za umetnost poznega 20. in 21. stoletja, ki zelo visoko ceni razlikovalnost. Toda po ogledu izdelkov 50-letne modernistične, postmodernistične in sodobne umetnosti se mi zdi ta poudarek na ekscentričnosti, če uporabim kulinarične reference predstave, zastarel. Kar ti umetniki opredeljujejo kot družbeno satiro, se mi zdi bolj kot norčevanje iz umetnosti; njihova analogija med razpadajočo hrano in družbenimi spremembami zgolj smrdi; in njihova predstava o užitku ob grizljanju sladice vprašljive kakovosti mi povzroča slabost. Veseli me, da na koncu razstave od teh 'umetnin' ni ostalo nič, da bodo hitro pozabljene.

Postmoderna in konceptualna umetnost poudarja svoje stališče tako, da estetske kvalitete umetnosti nadomesti s psevdofilozofskimi idejami. Umetnostni kritiki in kuratorji sodobne umetnosti, kot je Robert Storr iz Muzeja moderne umetnosti v New Yorku, gredo tako daleč, da razglašajo, da je narava resnično resne umetnosti ta, da ne veš, kaj gledaš. Neka kakovost vas je navdušila ali pa vas neka kakovost moti. Ne veš, zakaj je tako ali kako je prišlo do tega. Če sledimo tej logiki do njenega skrajno absurdnega zaključka, manj ko razumemo umetniško delo, večje je umetniško delo. To je izjemno priročno za umetnostne 'strokovnjake'; ker je njihovi obsežni in zmedeni filozofiji umetnostne teorije in presoje ostalim nemogoče slediti, so menda edini, ki vedo, kaj je 'resna umetnost', in smo se prisiljeni zanesti na njihovo presojo. Posledično imajo 'strokovnjaki' ogromno tržno moč in z ločevanjem umetniških ustvarjalcev od porabnikov umetnosti ogromno koristijo v najpreprostejšem finančnem smislu. Tu gre za očiten konflikt interesov. Zdrava pamet bi pokazala, da posredniki ne morejo biti objektivni, saj lahko veliko pridobijo z zmedo in subjektivnostjo, ki jo narekujejo. Čeprav imajo literarni kritiki in učenjaki pomemben vpliv, nimajo možnosti, da bi bralsko javnost prepričali, da je blebetanje vredno pozornosti. Nihče ne bo pisanja tretješolca ali naučene nezbranosti idiota ali norca imenoval literatura. Plagiatorstvo v pisni obliki se vsesplošno zgraža, vendar prej omenjeni 'strokovnjaki' Duchampu takoj pripišejo ustvarjalne zasluge za Fontana , izdelan pisoar, ki ga je podpisal in izdal za umetniško delo. Zakaj je torej v umetnosti vse dovoljeno? Edina možna razlaga je pomanjkanje izobrazbe. Moramo priznati, da je likovna vzgoja (kako gledati in ceniti umetnost) v naših šolah manjvredna od katerega koli drugega predmeta. Čas je, da filozofi prevzamejo aktivno vlogo pri izobraževanju širše javnosti o umetnostni filozofiji in ne, da nalogo prenesejo na estetike, ki se preveč ukvarjajo z razumevanjem, zakaj umetniki ne berejo njihovih knjig. Čas je, da izobraženi gledalci zberejo pogum in znanje, da povedo, da je kralj gol, čeprav nima oblačil.

Žrtvovanje čuta in okusa zaradi površinske prefinjenosti in zabave je kruto posmehovanje umetnosti in humanistiki. Prava umetnost ni sodobna, je brezčasna. Tako izvirnost zaradi izvirnosti ni niti zadosten niti nujen pogoj za nobeno veliko umetnino. Isaiah Berlin je v svojem eseju 'The Pursuit of the Ideal' zapisal, da če ljudje častijo drevesa samo zato, ker so narejena iz lesa in ne zato, ker so božanska ali simboli plodnosti, niso bitja, s katerimi bi lahko komuniciral – obstaja prava ovira. Prav tako lahko razumem nove oblike izražanja, vendar ne, ko so pripeljane do nesmiselne skrajnosti. Kar me pripelje nazaj na izhodiščno točko uporabe čokolade ali slonjih iztrebkov kot sredstva za poudarjanje. Tu se postavljam na stran Salvadorja Dalija, ki je na umetniško raziskovanje Marcela Duchampa o pripravi in ​​pakiranju umetnikovih iztrebkov odgovoril, da ima raje pristno sranje iz Rafaelovega popka kot de luxe edicije iztrebkov sodobnih umetnikov v zelo prefinjeni embalaži. Če šik umetniška množica vztraja pri čaščenju gnoja, ji je treba dovoliti svobodo svojih mnenj, a če ne postavimo alternativnih, racionalnih umetniških idealov, potem smradu ne bomo nikoli ubežali.

Anna Winestein je umetnica in štipendistka na bostonski univerzi, zanimajo jo družbeno-ekonomski vidiki umetnosti.