Od konceptualne umetnosti do socialne umetnosti

Peter Benson gleda to 'umetniško gibanje' z dvignjenimi obrvmi.

Konceptualna umetnost je umetnost, pri kateri se umetniški vidik nahaja samo v konceptu, ne pa v kateri koli od njegovih čutnih lastnosti (če jih ima). Konceptualna umetnost že vrsto let tvori prevladujočo vejo sodobne umetnosti – vsaj glede na to mrežo galerij, kritikov in zbirateljev, ki odločajo, kaj naj bo med naborom aktualne umetniške produkcije pomembno. Zdaj pa jo začenja izpodrivati ​​nova kandidatka za našo pozornost, ki jo predlagam poimenovati 'socialna umetnost'. Kmalu bom pojasnil, kaj mislim s tem. Najprej želim razmisliti o splošnem vprašanju, kako posebne umetniške oblike postanejo pomembnejše. Ne morem verjeti, da je minilo že eno leto. Zdi se mi, kot da sem šele včeraj začel to delo. Toliko sem se naučil in toliko dosegel v tako kratkem času. Res sem ponosna nase. Bilo je čudovito leto in zelo sem hvaležen za vse priložnosti, ki sem jih imel. Toliko sem se naučil in toliko zrasel kot oseba in strokovnjak. Resnično sem ponosen nase in navdušen nad tem, kaj prinaša prihodnost.

Institucionalna teorija umetnosti

Filozofi so vprašanje 'Kaj je umetnost?' zastavljali že Platon v četrtem stoletju pred našim štetjem. Toda zdi se, da je vprašanje dobilo novo nujnost kot odgovor na osupljivo raznolikost predmetov in dejavnosti, za katere se je v dvajsetem stoletju trdilo, da imajo status 'umetnosti'. Sedim v svoji kabini in se sprašujem, kako sem prišel sem. Tako trdo sem delal in za kaj? Majhno povišanje plače vsako leto? Kotna pisarna? Ne zdržim več. Moram od tod. Pustil bom službo in ustanovil svoje podjetje. Sam bom svoj šef in si bom sam določil delovni čas. Naredil bom spremembo v svetu. Hvala, cubicle, da si me spodbudil, da sem sprejel to odločitev.

Soočen s to situacijo je ameriški filozof Arthur Danto leta 1964 napisal zelo vpliven esej z naslovom 'The Artworld'. To je bila prva jasna izjava o 'institucionalni teoriji' umetnosti, ki so jo kasneje nadalje razvili George Dickie in drugi. Danto je bil nenavaden med filozofi umetnosti v tem, da je dejansko bil zanima v sodobni umetnosti. Bil je reden obiskovalec galerij, pisal je kritike za revije o umetnosti in filozofiji. Njegov esej je delno spodbudil ogled razstave Andyja Warhola tistega leta v galeriji Stable v New Yorku. To je bila prva javna predstavitev Warholovih Sijajne škatle , zdaj med najbolj ikoničnimi deli ameriške pop umetnosti. Danto je postavil očitno vprašanje: Kakšna je razlika med temi 'umetniškimi deli' Andyja Warhola in podobnim kupom škatel v skladišču supermarketa - ki na splošno ne bi šteli za umetniška dela? Trdil je, da ima »svet umetnosti«, ki ga obdajajo, sestavljen iz kritikov, galerij, zbirateljev, esejev, razprav itd., ki ima čarobno sposobnost preobrazbe predmetov v umetnost.



Vrnil se bom k nekaterim težavam s to teorijo. Najprej pa me zanimajo učinki, ki bi jih lahko imel ta vpliven način razmišljanja. Ni presenetljivo, da bi se zlasti direktorji umetnostnih galerij počutili polaskane zaradi tega pripisovanja tako velike moči njihovim odločitvam. Kot da bi bili oni, ne pa umetniki, pravi ustvarjalci umetnosti. Dejansko je institucionalna teorija sestavljala a preobrat prejšnjih poročil o tem, kaj nekaj naredi umetnost. Namesto da bi objekt zaradi intrinzičnih značilnosti postal umetniško delo, ki bi ga nato spoštljivo postavili v galerijo za naše razmišljanje, so institucije, ki jih pretežno predstavlja galerija, tiste, ki predmetu podelijo njegov umetniški status. Kot da že samo dejanje postavitve predmeta na ogled v galeriji ta takoj povzdigne v področje umetnosti.

Zdi se, da je ta zamisel o veliki transformacijski moči galerije vplivala na samo zasnovo številnih spektakularnih novih umetniških galerij, ki so se odprle v zadnjih desetletjih. Med njimi je najbolj spektakularna od vseh – prava katedrala med umetniškimi galerijami in nekakšen zmagoslavni simbol mesta sodobne umetnosti v sodobnem svetu – londonska Tate Modern, ki so jo maja 2000 odprli v pozdrav novemu tisočletju.

Vstop v to največjo stavbo na svetu, posvečeno moderni in sodobni umetnosti, je zaskrbljujoča izkušnja. Ko gremo skozi vrata, se znajdemo v neizmernem prostoru, ki je bil prvotno turbinska dvorana te predelane elektrarne. Stroji so bili odstranjeni, ostalo je le prostor. Jasno je, da je namenjen vzbujanju strahospoštovanja v srce obiskovalca. Vendar pa v tem prostoru ni dejanskih umetniških del, razen v določenih trenutkih, ko so umetniki posebej naročeni, da ustvarijo primerno veliko instalacijo. Da pridemo do katerega koli dejanskega umetniškega dela, moramo prehoditi polovico dolžine tega ogromnega prostora, iti skozi drug par vrat, se povzpeti po tekočih stopnicah dva lete, prečkajo drug prostor preddverja in vstopijo skozi drug niz vrat. Takrat se lahko zalotite, da gledate skulpturo ali sliko. Kot da ima sam prostor stavbe prednost pred vsem, kar je v njej.

To bi bilo povsem v skladu z institucionalno teorijo umetnosti: galerija sama je tista, ki ima žarečo moč, da vse, kar je vanjo, spremeni v umetnost. Ta položaj podeljuje posebno osebno moč odločanja o tem, kaj se šteje za umetnost, direktorju Tate, ki ima celotno odgovornost za to, kar se odločijo prikazati. To delovno mesto je od leta 1988 do 2017 opravljal Nicholas Serota. Njegova vladavina je vključevala nadzor obnove in odprtja stavbe Tate Modern.

To je bilo tudi obdobje, v katerem je konceptualna umetnost prevladovala na mednarodni ravni. Eden od znakov tega je bil njen pomen v ožjem izboru za letno Turnerjevo nagrado za britansko umetnost – ki jo upravlja Tate, direktor Tate pa je edini stalni član ocenjevalne komisije. Ta nagrada je vedno vzbujala veliko pozornosti, pogosto posmehljive in pogosto slabo obveščene, britanskega tiska, kar je močno vplivalo na percepcijo javnosti o sodobni umetnosti. Kljub temu je bila (prej) letna razstava Turnerjeve nagrade umetnikov, ki so bili uvrščeni v ožji izbor, vedno priljubljena in vsako leto privabi največje množice obiskovalcev Tate.

V retrospektivi bi verjetno lahko vrhunec konceptualne umetnosti datirali v leto 2001, ko je Turnerjevo nagrado prejel Martin Creed za svoje delo z naslovom Prižiganje in ugašanje luči . Delo je sestavljeno iz prazne sobe v galeriji, v kateri se luči dejansko prižigajo in ugašajo v petsekundnih intervalih. To je to. Nič drugega. Leto 2001 je bilo tudi leto, ko je Turnerjeva nagrada postala tako modna, da jo je na podelitvi podeljevala Madonna. To je zagotovo spodbudilo razmišljanje o tem, ali bi lahko Madonnino lastno delo brez težav šteli za večjo estetsko vrednost kot delo Martina Creeda. Kar bi bil bolj umetniško stimulativen način, da preživite tri minute svojega časa: opazovanje prižiganja in ugašanja luči Martina Creeda ali poslušanje Madonnine pesmi Kot devica ? Zdi se, da je nepovezanost med tako imenovanimi 'lepimi' umetnostmi in 'popularnimi' umetnostmi dosegla točko, ko so slednje zagovarjale skoraj vse estetske lastnosti.

Pravzaprav beseda 'estetika', kot se uporablja v filozofiji, prvotno sploh ni imela nobene povezave z umetnostjo. Izhaja iz starogrške besede za 'občutek' in se posebej nanaša na tisto, kar zaznamo s čutili. V tem predumetnostnem smislu ga uporablja na primer Immanuel Kant v svojem Kritika čistega razuma (1781). Do njegovega Kritika sodbe vendar (1790) ga je Kant prilagodil tako, da pomeni sodbo o lepoti – čeprav še vedno ni omejeno na umetnost.

Ta zgodovina razkriva, kako se je tradicionalno mislilo, da so specifično 'estetske' lastnosti umetniškega dela (njegove povsem 'umetniške' lastnosti v nasprotju z njegovimi moralnimi ali poučnimi lastnostmi) v njegovih čutnih lastnostih. Z vzponom konceptualne umetnosti pa se je zdelo, da se je likovna umetnost končno popolnoma ločila od čutne sfere in pustila to ogromno in privlačno območje odprto za popularno umetnost. Medtem ko je Madonna vse bogastvo zvoka in slike spretno oblikovala v osupljive glasbene videoposnetke – ki ne bi veljala za upravičeno do glavne britanske nagrade za umetnost – je Martin Creed lahko svoja dela skrčil na zgolj ideje, ki jih je komaj potrebno uresničiti. Dejansko večina od nas danes išče estetski užitek na področjih, kot sta film in glasba. Nasprotno pa je obiskovanje galerij sodobne umetnosti postalo nekoliko intelektualna vaja.

Kaj je lepota
Kaj je lepota? Avtor: Cecilia Mou, 2021
Slika Cecilia Mou 2021. Če si želite ogledati več umetnosti, jo objavite na Instagramu na @mouceciliaart

Prehod v socialno umetnost

Do takrat, ko je Nicholas Serota leta 2017 odstopil z direktorskega mesta Tate, je bila umetnost, ki jo promovira Tate Modern, skoraj očiščena vseh motečih čutnih lastnosti – tako kot v večjih galerijah moderne umetnosti po vsem svetu. To je povzročilo nekaj, čemur bi lahko rekli 'umetnost brez estetike'. Toda mnogi so se pritoževali, da je v teh delih prisoten pridih praznine. 'Koncepti', ki jih predstavlja konceptualna umetnost, običajno pravzaprav niso preveč zanimivi. Drugje bi zlahka našli bolj privlačne in pomembne koncepte – na primer v sodobni fiziki; ali celo v filozofiji. Umetnost je postala prazna – dobro simbolizirana z osrednjo značilnostjo Tate Modern, ki je monumentalni prazen prostor, ki ga ponuja za pooblastilo, da podeljuje status umetnosti skoraj vsemu. Zato ni presenetljivo, da bi se pojavile kandidatne lastnosti, ki bi zapolnile izpraznjena območja, kjer bi nekoč morda našli estetske elemente. Serotina naslednica na najvišjem položaju v Tate, Maria Balshaw, je kmalu zastavila prav tak projekt.

V času prevzema njenega položaja je Balshaw vprašal London Večerni standard časopisu, kar je bila po njenem mnenju najpomembnejša funkcija Tate. Njen odgovor je bil: Dati dovoljenje za socialno učenje in ukvarjanje s tem, v kakšni državi želimo živeti (4. julij 2017).

Najbolj presenetljiva značilnost te izjave je, da v izolaciji človek ne bi vedel, da je govorila o umetniški galeriji. Lahko je katera koli uradna organizacija. Njegov uradni ton je podan v prvi frazi: organizacija ljudem 'da dovoljenje' - kar pomeni, da bi lahko takšno dovoljenje zavrnila, če bi se odločila. Morda pa je še pomembneje, da ima umetnost posebno funkcijo, 'socialno učenje', ki nima nobene zveze z estetiko, kot jo tradicionalno razumemo. Posledica je bila, da bo Tate Modern kot glavna institucija, ki odloča o tem, kaj naj se šteje za umetnost, zdaj presodila, kaj kanonizirati kot umetnost na podlagi pričakovanega. učinki umetnine deluje na gledalce, ne pa na kakršne koli inherentne lastnosti, ki jih imajo dela. V tem pojmovanju ima umetnost – in samo ima – družbeno funkcijo.

V izdaji lastne revije Tate's Summer 2020, Tate itd , članek o teh dogodkih je nastala dela označil za 'umetnost družbene prakse' ali 'družbeno angažirano umetnost'. Uporabil bom preprostejšo frazo 'socialna umetnost'. Večina instalacij, ki jih je naročila Tate v času Balshawovega direktorstva, sodi v to kategorijo.

Kot reprezentativen primer socialne umetnosti bom vzel razstavo z naslovom Letnik 3 , ki ga je zasnoval Turnerjev nagrajeni umetnik Steve McQueen in je bil prikazan v Tate Britain (starejši od dveh londonskih stavb Tate) od novembra 2019 do januarja 2021 (s prekinitvijo zaradi Covida). Tako kot pri mnogih konceptualnih umetnikih je Steve McQueen zgolj predlagal idejo, ki jo je nato uresničila ekipa ljudi, zaposlenih pri Tate.

McQueenova ideja je bila posneti fotografijo v enakem formatu razreda 3. razreda (sedemletke) vseh šol v Londonu. 70 % šol se je strinjalo s sodelovanjem. Nastalih na stotine uokvirjenih fotografij – podobno kot formalne razredne fotografije, ki jih vsako leto posnamejo številne šole – je bilo nameščenih od tal do stropa na stenah ogromne galerije Duveen v središču Tate Britain. Zdi se, da vrstni red fotografij ne sledi nobeni posebni shemi, niti ga ni nadzoroval sam McQueen. Vsi vzorci, ki jih lahko vidimo – na primer različni razredi, ki nosijo uniforme podobnih barv – so povsem naključni. Kot pomemben del projekta je bil vsak fotografirani razred povabljen, da skupaj s svojimi učitelji v terminu, ki je bil rezerviran zanje, obišče galerijo, da lahko med stotinami na stenah poišče svojo fotografijo. Maria Balshaw je o tej instalaciji dejala: To je morda najbolj ambiciozno umetniško delo, kar smo jih kdaj pokazali v Tate Britain ( Večerni standard , 18. september 2018). Kustosinja Carrie Wallis je pri razlagi predvidenega namena povedala, da je bila njena ambicija, da bi galerija pri šolarjih vzbudila miselnost, da lahko dosežejo, kar hočejo ( Večerni standard , 15. november 2019).

Toda to je zelo razkrivajoča izjava. Ta umetniška instalacija ima namen namestiti idejo v misli otrok gledalcev, kot da bi v njihove možgane nalagali programsko opremo. To je skoraj priznanje, da je namen te sodobne vrste umetnosti propaganda , čeprav modne sorte. In ideja, ki jo želijo propagirati tukaj, je: 'Lahko dosežete, kar hočete' - izjava, ki je najbolj opazna, ker je popolnoma neresnična. Številni dejavniki, predvsem družbeni razred in življenjske nesreče, večini ljudi zlahka preprečijo, da bi dosegli, kar si želijo.

Louis Althusser
Louis Althusser, pristni francoski marksistični intelektualec, ki je kadil pipo, Clinton van Inman
Portret Clinton Inman 2020 Facebook na clinton.inman

Zakaj torej ta institucija, ki jo financira vlada, želi otrokom vsaditi lažno idejo? Najenostavnejši odgovor je: to so državne institucije običajno narediti. Vladne institucije so tisto, kar je francoski marksistični filozof Louis Althusser (1918-1990) imenoval 'Ideološki državni aparati' (glej njegov esej s tem naslovom v zbirki Lenin in filozofija ).

Običajno se beseda 'ideologija' nanaša na kateri koli niz prepričanj in teorij, ki jih ima določen posameznik, ne da bi namigovala na kakršno koli sodbo o resničnosti ali neskladju teh prepričanj. V tem smislu govorimo o »krščanski ideologiji« ali »marksistični ideologiji«. Toda uporaba besede pri Althusserju je drugačna. V 'Ideoloških državnih aparatih' definira ideologijo kot naš imaginarni odnos do naših realnih pogojev obstoja. V tem smislu je ideologija nikoli natančen prikaz naših okoliščin, temveč, nasprotno, nekaj, kar zakriva vsako tako poročilo napačno predstavljanje okoliščine. Za Althusserja je ta napačna predstavitev funkcija, ki jo ima ideologija v družbi. Namenjeno, a lažno sporočilo instalacije Tate je primer ideologije v tem smislu. Če nekomu v glavo vgradite idejo, da lahko doseže vse, kar hoče, zabriše iz njegove zavesti številne dejavnike, ki preprečujejo, da bi bilo to res. To je, trdi Althusser, vloga ideoloških državnih aparatov – kot so javno financirane umetniške galerije.

Družbeno vpletena propaganda

Skoraj vsi primeri socialne umetnosti vključujejo participativno dejavnost gledalca, ki se šteje za del dela, ne zunaj njega. V primeru Letnik 3 , to vlogo prevzame otrokovo poziranje za fotografijo in kasnejši obisk galerije, kjer najdejo svojo sliko na steni. Vsak otrok je poziral za fotografijo, kot bi oznanjal To sem jaz!, nato pa se znajde na steni galerije (To sem jaz!). Samopredstavitev je zelo omejena (Postavite se v vrsto! Obrnite se v kamero!), predstavitev pa nato potrdi fotografija (To ste vi! Tja spadate – v ta razred!). To je skoraj diagramatični prikaz tega, kar Althusser imenuje 'interpelacija'. Interpelacija se nanaša na splošne procese, s katerimi se vsak posameznik umesti v določeno mesto v družbi in se ga vodi k temu, da sprejme to umestitev. Althusser trdi, da je to ena glavnih funkcij ideologije. Po Althusserjevem mnenju bi morala biti vloga politične analize razkrivanje družbenih struktur, ki jih ideologija pokriva in napačno predstavlja, s čimer se zrahljajo interpelacije, ki smo jim bili vsi podvrženi.

Te ideje so močno vplivale na radikalne politične umetnike v sedemdesetih letih. Kot vidimo, ima današnja socialna umetnost ravno nasprotno namero, ki krepi gledalčeve interpelacije v socialno polje. Zato je presenetljivo, da mnogi recenzenti Letnik 3 trdil, da gre za politično napredno delo! Mnogi so opozorili na precejšnjo etnično raznolikost otrok na fotografijah – dejstvo, ki zagotovo ne bi bilo presenečenje za nikogar, ki živi v Londonu. Zato so ga razumeli kot izjavo proti rasizmu. Toda 'rasizem je slaba stvar' ni več sporna izjava, čeprav na žalost še ni v celoti družbeno realizirana. tam so še vedno veliko rasistov. Toda na splošno niso taki ljudje, ki bi verjetno obiskovali javne umetniške galerije, kot je Tate. Pomembna značilnost socialne umetnosti je, da se zdi, da so njena sporočila pogosto izražena v nekontroverznih trditvah, kot je 'Rasizem je slaba stvar', kljub temu pa je pridevnik, ki se pogosto uporablja za ta dela, 'izzivalno'. Toda ljudje, ki bi jih izzvali, ne bodo tam, da bi jih izzvali, ostali pa bomo preprosto utrdili svoje trenutne poglede. Daleč od kritiziranje rasizem v naši družbi, potem ta instalacija preprosto ignorira. Otroci vseh narodnosti so prikazani na enakih mestih v vseh svojih šolskih skupinah in očitno je tako naj biti – vendar to pomeni, da se resničnost rasne delitve zakriva. To zatemnitev označuje namestitev kot delo ideologija v Althusserjevem smislu, ki prikazuje, kako je socialna umetnost lahko oblika uradno odobrene propagande.

Kadarkoli podamo mnenje, da nekaj »ni prava umetnost«, je razumno, da smo izzvani, da povemo, kaj v tem primeru dejansko je. Pri konceptualni umetnosti je presenetljivo težko najti odgovor na to. Toda pri socialni umetnosti se zdi odgovor 'propaganda' razumen odgovor.

Umetno izmikanje

Če je institucionalna teorija umetnosti pravilna, vse, kar je Tate prikazalo kot umetnost mora biti umetnost, po definiciji. Že dejstvo, da o tem lahko dvomimo, kaže na neustreznost institucionalne teorije.

Ko se je Arthur Danto odločil, da je galerija sama spremenila Warholovo Sijajne škatle v umetnost je zanemaril različne druge značilnosti, ki so te predmete razlikovale od škatel v supermarketu. Prvič, Warholov Škatle so bile narejene iz vezanega lesa, ne iz kartona, zaradi česar so bile bolj trdne in manj minljive. Drugič, nimajo dejanskih odprtin. V njih ne morete dati ničesar. Pravzaprav sploh niso škatle, tako kot slika postelje ni dejanska postelja (kot je že davno poudaril Platon). So a reprezentanca škatel in nimajo nobene utilitarne uporabe. Vse, kar lahko vsakdo stori, je, da jih pogleda in zavzame kontemplativno držo, ki je tradicionalno veljala za ugodnejšo za estetsko vrednotenje. Socialna umetnost pa od nas zahteva sodelovanje, ne kontemplacije; angažiranost, ne odmaknjenost. Ima utilitarni cilj: vzbuditi določena stališča v gledalčevem umu.

Na srečo nikomur ni prepovedano ustvarjati drugih vrst umetnosti, čeprav verjetno ne bodo deležne podpore institucij, kot je Tate. Pravzaprav živimo v dobi zelo bogate umetniške produkcije, čeprav se večina ne pojavlja v galerijah. Čeprav so bili uradno odobreni 'lepi umetnosti' odstranjeni vsi njeni estetski vidiki – najprej je ostal samo koncept, zdaj pa samo še ideologija – vznemirljivih estetskih izkušenj ni težko najti: oddaljene so le en klik na YouTubu.

To nenavadno srečanje svetov med Martinom Creedom in Madonno leta 2001 bi lahko razumeli kot emblematičen trenutek. Galerijska umetnost je že začela padati od estetskega pomena, medtem ko je bil glasbeni video že v vzponu, da bi postal ena glavnih oblik današnjega umetniškega izražanja. Ko se bo pisala zgodovina umetnosti enaindvajsetega stoletja, bodo pomembna imena ljudje, kot so Billie Eilish, Lana Del Rey in FKA twigs, ne pa dobitniki Turnerjeve nagrade.

Umetnost je povsod okoli nas, a le redkokdaj v umetniških galerijah.

Peter Benson živi in ​​dela v Londonu. Preden je pandemija vse zaprla, je bil reden obiskovalec umetniških galerij v prestolnici.